Comenzamos con la obra de arte más antigua y también una de las más emblemáticas de esta lista, El jardín de las delicias del artista renacentista Hieronymus Bosch. La obra maestra es un tríptico, y los tres paneles juntos cuentan una historia de la humanidad sucumbiendo gradualmente a las tentaciones terrenales y abandonando a Dios y terminando así en un infierno en la Tierra en el panel de la derecha.
Dejando de lado la lección moral, la obra de arte es muy valorada por ser una de las primeras pinturas surrealistas, ya que el tríptico está lleno de plantas y animales imaginarios, humanos que manipulan maquinaria inexistente y todo tipo de actividades y cosas extrañas. Ciertamente, la parte más espeluznante de la obra maestra es el panel derecho que representa el Infierno en la Tierra. Sobre un fondo negro y envueltas en humo y fuego se encuentran las cosas más aterradoras que el artista podría imaginar: cámaras de tortura, demonios y animales mutantes que se alimentan de humanos, todo lo cual le da a este panel una presencia verdaderamente apocalíptica.
Es difícil negar que Bosch fue uno de los primeros maestros de lo surrealista y lo macabro, y simultáneamente logró imbuir un profundo significado moral a este arte verdaderamente espeluznante.
La representación de Caravaggio del antiguo monstruo mítico griego Medusa es una pintura audazmente aterradora y expresiva que seguramente dejará una huella en la memoria de todos. La pintura es una representación extremadamente realista de la cabeza de Medusa recién cortada con una expresión de terror genuino en su rostro. Según el mito griego, Medusa, una mujer con serpientes venenosas por cabello, fue asesinada por Perseo, el hijo de Zeus. El triunfo de Perseo sobre el monstruo ha sido recreado por innumerables artistas y escultores famosos a lo largo de la historia.
Aún así, el estilo artístico hábilmente realista y expresivo de Caravaggio hizo de su recreación del mito una de las más llamativas y memorables de la historia del arte, al tiempo que infundía miedo y agitaba las emociones de todos los espectadores. Se dice que el pintor utilizó su propio reflejo en el espejo para modelar esta famosa obra de arte. Vea más obras de arte de Caravaggio en el artículo El arte visionario y la vida turbulenta de Caravaggio.
Los seres humanos han estado tratando de explicar el significado y las causas de los sueños, especialmente los que dan miedo, durante milenios. Una de esas explicaciones del folclore europeo fueron las criaturas demoníacas llamadas incubus (macho) y succubus (hembra), que según la mitología y las leyendas, yacen en el pecho de un soñador, causando pesadillas, dañando su salud física y mental, o incluso causando la muerte.
Esta famosa obra de arte del pintor suizo titulada “La pesadilla” es una ilustración de la leyenda sobre el íncubo, a quien podemos ver posado sobre el pecho de una mujer mientras duerme. Para explicar la figura del caballo oscuro de la izquierda: probablemente se refiere a cuentos populares alemanes, donde las mujeres que dormían solas eran visitadas o incluso poseídas por demonios, y los hombres eran visitados por fantasmas de caballos. En la pintura, Fuseli une todas las leyendas de espíritus espeluznantes y demonios antes mencionadas en una pintura, creando una manifestación que lo abarca todo de una pesadilla.
Francisco Goya es el pintor español más importante de la Ilustración y, a lo largo de su carrera artística, su estilo ha ido cambiando constantemente. Durante su vida, Goya fue más conocido como el pintor de la corte de la familia real, y de hecho había completado innumerables retratos de la realeza española y otros nobles, lo que le proporcionó una alta reputación en la sociedad y un centavo, pero no lo hizo. Conseguir ser la salida creativa que necesitaba el artista.
Hoy en día, Goya es probablemente más reconocido por las últimas pinturas que creó, una serie de 14 obras de arte inquietantes conocidas como Pinturas Negras. Durante este tiempo, Goya ya no recibió encargos, por lo que se encerró en una masía conocida como "La Quinta del Sordo" cerca de Madrid y dejó correr su creatividad. Casi completamente sordo y mentalmente agotado, Goya creó las Pinturas Negras entre 1819 y 1823.
La más famosa y también la más aterradora de estas obras es Saturno devorando a su hijo, inspirada en la mitología romana. Goya no tenía la intención de que ninguna de las pinturas negras se mostrara públicamente. En cambio, servirían como decoración para su hogar, con esta pintura específica destinada al comedor.
La pintura muestra al jefe Titán Saturno comiéndose a su propia descendencia en un intento de evitar la profecía de que uno de sus hijos lo derrocaría y lo mataría. Alerta de spoiler: Gaia, su esposa esconde en secreto a uno de sus hijos, Zeus, quien luego derrocó a Saturno, salvó a algunos de sus hermanos y cumplió la profecía.
Aunque esta serie de 4 pinturas del famoso expresionista noruego no es del agrado de todos, una cosa no se le puede quitar: definitivamente captura un estado de ánimo. Además, es una de las pinturas más importantes y reconocidas del mundo, y también diríamos que es una de las más desconcertantes. La pintura representa una figura vaga, casi momificada, capturada en un momento de terror con una ominosa puesta de sol roja de fondo.
Lo que la mayoría de la gente no se da cuenta es que esta puesta de sol siniestra fue la inspiración de la pintura, y es una puesta de sol que el propio artista ha experimentado en la vida real. Como escribe el artista en su diario, “Una noche caminaba por un sendero, la ciudad estaba a un lado y el fiordo abajo. Me sentí cansado y enfermo. Me detuve y miré hacia el fiordo: el sol se estaba poniendo y las nubes se volvían rojo sangre. Sentí un grito atravesando la naturaleza; me pareció que escuché el grito. Pinté este cuadro, pinté las nubes como sangre real. El color chilló. Esto se convirtió en El Grito ".
Los críticos de arte ahora creen que el artista no exageró en su descripción de esta puesta de sol, ya que lo que él y muchos otros habían presenciado en ese momento fueron las consecuencias de la devastadora erupción del volcán Krakatoa en 1883, que tiñó los cielos de rojo durante meses.
Paul Cézanne es más conocido por sus paisajes impresionistas dinámicos y alegres y sus representaciones de gente común que participa en sus actividades cotidianas. La mayoría de los bodegones del pintor también suelen mostrar temas menos espantosos, como manzanas, peras y naranjas. Sin embargo, se sabe que Cézanne también mostró un mayor interés por la muerte a medida que se acercaba a la vejez, y se puede decir que la Pirámide de las Calaveras es la cima de estas cavilaciones existenciales.
Al mostrar nada más que una pila de cuatro cráneos humanos, la pintura obliga al espectador a encontrarse cara a cara con su propia mortalidad. De hecho, la inclusión de cráneos y huesos en las bellas artes no es nada nuevo, incluso tiene su propia definición: memento mori. Esta frase latina se traduce como "recuerda que tienes que morir", y durante siglos, los artistas han incluido cráneos humanos como símbolo de la mortalidad y la inevitabilidad de la muerte. Sin embargo, a diferencia de sus predecesores, que típicamente presentaban una calavera como parte del fondo de una obra de arte, Cézanne decidió llevar las calaveras (y por lo tanto también la cuestión de la mortalidad) al primer plano y convertirlas en el centro de atención, completamente despejado y dolorosamente aparente. Es por eso que esta obra de arte es la más espeluznante si me preguntas.
Si Hieronymus Bosch usó el surrealismo como un rasgo para probar una idea moral específica, Salvador Dali convirtió esta representación onírica en un estilo artístico completo, como podemos ver en la gran mayoría de sus Obras de Arte Más Famosas. Sin embargo, los relojes que se derriten, las jirafas en llamas y los teléfonos de langosta, que existen principalmente para aturdir nuestras mentes y entretener, no son el único arte característico del estilo de Dalí.
Una de sus pinturas más significativas y ciertamente la más conmovedora es El rostro de la guerra, que Dalí creó en 1940 después de que él y su esposa Gala huyeron a California durante el inicio de la Segunda Guerra Mundial. El trauma de la guerra y el sufrimiento masivo que el artista había presenciado sirvieron de inspiración para este trabajo. De hecho, Dalí dijo una vez que toda su visión artística era una premonición de una guerra inminente, pero sigue siendo esta pieza específica la que expresa el terror de la guerra de manera más directa.
