A lo largo de la historia, los artistas han intentado subvertir las creencias y valores convencionales y provocar que la gente vea la vida de manera diferente a través de su trabajo. Después de todo, ¿no es ese el papel del artista? Un hecho que puede parecer sorprendente es que algunas obras de arte que hoy se consideran icónicas y ampliamente aclamadas no fueron tan bien recibidas cuando se crearon por primera vez. Estas siete obras de arte atrevidas conmocionaron al mundo y se consideran las más controvertidas de la historia. Se las consideró demasiado gráficas o inmodestas en el momento de su creación, pero hoy son famosas.
Desde el momento en que se presentó El Juicio Final de Miguel Ángel en 1541, se consideró controvertido de inmediato. El público quedó igualmente asombrado y horrorizado cuando vio esta representación caótica de la Segunda Venida de Cristo. Los cuerpos desnudos habían aparecido en el arte antes de Miguel Ángel, pero lo que sorprendió a los espectadores fue la amplia exhibición de desnudez en todos los ámbitos, tanto de personas comunes como de mártires.
Los funcionarios religiosos hablaron en contra del fresco por varias razones, incluido el hecho de que Miguel Ángel eligió pintar a Jesús en el estilo clásico de la mitología pagana. En una medida llamada campaña de la hoja de parra, se pintaron trozos de tela y flora sobre las partes expuestas del cuerpo de las 300 figuras, cambiando la naturaleza de la obra de arte original. Algunas de ellas fueron eliminadas más tarde como parte de una restauración del siglo XX. Para entonces, sin embargo, la obra de arte revolucionaria de Miguel Ángel ya había impactado profundamente la historia del arte.
La vida del pintor barroco Caravaggio fue probablemente más controvertida que cualquiera de sus obras, considerando el hecho de que murió en el exilio después de ser condenado a muerte por asesinato. Pero unos años antes de ese incidente, Caravaggio produjo la pintura ahora perdida San Mateo y el ángel, creada para la Capilla Contarelli en Roma.
Lo que más molestó a los críticos fue la elección poco convencional de Caravaggio de usar a un campesino pobre como modelo para el santo. Otras características problemáticas fueron los pies sucios de San Mateo y la forma en que la imagen implicaba que era analfabeto, como si el ángel le estuviera leyendo. Finalmente, la obra encargada fue rechazada y reemplazada por La inspiración de San Mateo de Caravaggio, que es una representación similar pero más estándar de la escena.
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El famoso Le Déjeuner sur l'Herbe (El almuerzo sobre la hierba) de Edouard Manet fue rechazado por el Salón de París en 1863. En su lugar, se exhibió en el 'Salon des Refuses', donde generó un gran escándalo.
En primer lugar, El almuerzo sobre la hierba fue pintado en un lienzo de 81,9 × 104,1 pulgadas, una escala que generalmente se reservaba para composiciones históricas o mitológicas importantes. La decisión de Manet de representar una escena ordinaria de amigos desayunando a esta escala fue vista como un rechazo flagrante e incluso un desdén por la convención de la pintura clásica. Además, la presencia descarada de una mujer desnuda rodeada de hombres completamente vestidos con trajes modernos escandalizó tanto a los críticos de arte como al público.
Incluso el estilo pictórico de Manet en esta pintura fue considerado chocante, ya que el contraste entre luz y oscuridad era mucho más pronunciado de lo que era aceptable en ese momento. La clara negativa de Manet a ajustarse a los métodos convencionales en Le Dejeuner sur l’Herbe a menudo se considera el punto de partida del arte moderno.
La pintura de Thomas Eakins de 1875 La clínica Gross ha sido considerada durante mucho tiempo una de las grandes obras del siglo XIX y un ícono del arte estadounidense. La representación de una demostración quirúrgica del Dr. Samuel D. Gross y sus colegas también fue controvertida desde el momento de su finalización.
Ávido de mostrar tanto su talento como los avances científicos del Jefferson Medical College de Filadelfia, Eakins coloca al espectador justo en el centro del anfiteatro quirúrgico. Pero la representación objetiva de la cirugía se consideró demasiado gráfica, y la pintura fue rechazada por la Exposición del Centenario de Filadelfia. Solo un siglo después, The Gross Clinic fue reconocida como una obra maestra, tanto en términos de sus méritos artísticos como científicos.
A pesar de ser controvertida en su momento de concepción, Fountain del experimentalista dadaísta Marcel Duchamp hizo historia. Fue pionera del movimiento de arte conceptual que continúa hasta el día de hoy. Para crear la obra, Duchamp simplemente compró un urinario de una fábrica, lo firmó con el seudónimo R. Mutt y lo presentó a la Sociedad de Artistas Independientes.
La pieza fue rechazada, lo que fue casi cómico, ya que el propio Duchamp era el cofundador y miembro de la junta directiva del grupo. Algunos incluso se preguntaron si Fountain era un engaño. La revista Dada The Blind Man defendió el urinario como arte porque el artista lo veía como tal. Por otra parte, la sociedad se sintió profundamente ofendida por la obra, calificándola de indecente e inmoral.
En desafío a su postura, Duchamp hizo que el reconocido fotógrafo Alfred Stieglitz la fotografiara profesionalmente en una galería. El argumento de que cualquier objeto podía convertirse en una obra de arte revolucionó las prácticas artísticas y sigue teniendo impacto hasta hoy.
El enorme mural Guernica de Pablo Picasso representa la masacre de un pueblo vasco en 1937 y desde entonces se ha convertido en un símbolo de cada ciudad bombardeada o destruida por la guerra. Es una de las denuncias artísticas más poderosas del fascismo. La pintura ha sido un punto de discordia a lo largo de los años debido a su fuerte mensaje crítico. La reacción inicial a la pintura fue abrumadoramente crítica. Incluso los soviéticos, que se pusieron del lado del gobierno español contra Franco, criticaron la pieza. Los críticos creían que solo el arte realista podía tener consecuencias políticas o sociales.
Al principio, Picasso se negó a exhibir Guernica en España hasta que se restableciera la justicia allí. La pintura se exhibió en toda Europa y Estados Unidos, hasta que finalmente fue devuelta a su país de origen en 1975 después de la muerte del artista.
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En el año 1953, el artista holandés-estadounidense Willem De Kooning era considerado una leyenda. Fue uno de los más grandes pintores del movimiento expresionista abstracto de esa época. Su nombre generó admiración y respeto. Cuando el joven artista Robert Rauschenberg le pidió a De Kooning una de sus pinturas, este último se mostró reacio al principio. Finalmente, le dio a Rauschenberg un dibujo que era una mezcla de arte con lápiz graso y carboncillo.
Lo que hizo Rauschenberg a continuación fue completamente inesperado. Borró la pintura, la convirtió en un cuadrado blanco en blanco y la llamó suya. La noticia de la pieza tardó aproximadamente una década en difundirse. La respuesta del público fue una mezcla de asombro y disgusto. ¿Era Rauschenberg un joven genio que superaba al maestro? ¿Es vandalismo? ¿Se le puede siquiera llamar arte?
Una persona que no quedó impresionada en absoluto fue De Kooning, quien calificó la idea de “cursi”. Hoy, la obra de arte se encuentra en el Museo de Arte Moderno de San Francisco.
Fuente de la imagen de portada: Dennis Jarvis / Wikimedia Commons
