13 Términos En La Historia Del Arte Que No Has Escuhado Antes

Horror vacui es un término latino que significa "miedo al espacio vacío". Este miedo se basa en la creencia de que los malos espíritus anidarán en los espacios que quedan en una pintura. Los artistas solían insertar decoraciones y símbolos entre los objetos de sus pinturas para no dejar lugar a los espíritus. Comenzando desde el antiguo arte egipcio, podemos ver pinturas densamente decoradas.

Arriba hay un detalle de un jarrón griego antiguo que representa a un hombre montado en un carro tirado por un caballo. Observe cómo el artista llenó el espacio vacío entre las patas del caballo con un símbolo geométrico. Este símbolo se repite en todo el jarrón.

Kouros es la palabra griega antigua para "niño". La forma plural es kouroi. Kore es la palabra para "niña", korai en plural.

Las esculturas de Kouros se hicieron como trofeos para los ganadores de los antiguos juegos olímpicos. También tenían un significado ritual: eran símbolos del dios Apolo.

Estas son formas tempranas de los escultores griegos clásicos realistas, detallados y anatómicamente precisos posteriores que conocemos hoy. El refinamiento de la representación del cuerpo humano sucedió, en gran parte, debido a los juegos olímpicos en los que los hombres participaban completamente desnudos. Esto permitió a los escultores estudiar el cuerpo humano.

Cada escultura se hizo con la forma del ganador, pero tenía que seguir ciertos estándares. Los koroi siempre estaban desnudos, erguidos, con el peso distribuido uniforme y simétricamente en ambos pies y los brazos cerca del cuerpo. Los músculos están grabados. El rostro luce una sonrisa arcaica.

Los korai siempre visten vestidos largos, de pie con los pies juntos. Suele colocarse una mano sobre el pecho, y el rostro también luce una sonrisa arcaica.

Las sonrisas arcaicas son una convención de esa época. Se desconoce el significado de la sonrisa, pero aparece en la mayoría de las esculturas de esa época.
 

Esta es una palabra griega que se usa para describir lo bueno y hermoso en una persona - de kalos- "hermoso" y kagathos- "bueno". Los antiguos griegos no creían en retratar el dolor, la violencia u otros horrores en su arte. Creían en representar lo virtuoso y lo bello: la kalokagathia en la vida y la humanidad.

La cerámica, las pinturas y las esculturas antiguas generalmente representan victorias o momentos antes de la muerte en lugar del dolor de la misma. Aunque el jarrón de arriba se llama "Suicidio de Ajax", vemos al guerrero en los momentos de preparación de la espada sobre la que caerá en lugar del evento en sí. El artista optó por describir el momento sereno de la aceptación de la propia muerte, un guerrero que pierde una batalla con dignidad en lugar de a manos de los enemigos. No se representa ningún horror, dolor o violencia.

Esta palabra significa "llevar por ambos lados". Ánfora es la forma única. Cualquier jarrón que sostenga por ambos lados puede llamarse ánfora. La palabra anfiteatro deriva de ánfora y se usa para describir dos teatros unidos para crear un edificio redondo, como el Coliseo.

Había 15 formas diferentes de jarrones en la cerámica griega antigua. Algunos, como el Kylix, se usaban para comer y beber, mientras que otros, como el Loutrophoros, tenían un uso estrictamente ritual. Todos ellos fueron pintados y pueden considerarse arte de la cerámica griega antigua. Ánfora era otra forma para un jarrón de cerámica. Las ánforas tenían varios usos, y no todos estaban decorados.

Las cariátides son figuras femeninas que funcionan como columnas en la arquitectura clásica. Parecen esculturas refinadas, pero también soportan el peso de una estructura. Están de pie en contrapposto, vistiendo una túnica drapeada con muchos pliegues. Sus cuerpos son anatómicamente exactos.

Los atlantes son las columnas de figuras masculinas. En la foto de arriba, puedes ver las cariátides más famosas y célebres, las del pórtico del Erecteion en Atenas, Grecia, un templo para la diosa Atenea.

Renacimiento

Contrapposto en italiano significa "postura opuesta". Este término describe una postura natural relajada y asimétrica en la que el peso se coloca sobre una pierna, girando y afectando las caderas, las rodillas, los hombros, el torso y la cabeza. Se usa principalmente cuando se habla de escultura.

El contrapposto fue inventado por los griegos en el siglo V a. C., como una pose ideal para la representación realista del cuerpo humano. El término se usa a menudo para describir esculturas en lugar de pinturas. Los objetos más famosos de la historia del arte que se encuentran en contrapposto son la Venus de El nacimiento de Venus de Sandro Botticelli y el David de Miguel Ángel (1501-1504).

El Salón fue una exposición de arte oficial patrocinada por el gobierno francés. Jóvenes artistas de la Académie Royale de Peinture et de Sculpture exhibieron aquí sus obras. Se inauguró por primera vez en 1667 bajo el reinado de Luis XIV, en el Salon d'Apollon del Louvre en París. A partir de 1737, se convirtió en un evento anual. En 1748 se constituyó un jurado para determinar quién podía y quién no podía presentar sus obras en el Salón, que era muy conservador.

Muchos artistas ganaron fama en el Salón, pero muchos otros se hicieron famosos socavando el sistema. Los impresionistas, por ejemplo, lanzaron su movimiento con una exposición independiente. ¡Nunca antes nadie se había atrevido a hacer eso! Otros artistas que presentaron sus obras en el Salon des Refusés (Salón de los Rechazados, un lugar donde los pintores exhibían sus cuadros si el jurado les negaba el acceso al Salón oficial) ingresaron posteriormente al salón de la fama de la historia del arte: Paul Cézanne, Camille Pissarro y Édouard Manet.

Se han abierto varios otros Salones, algunos con jurado y otros sin él. Algunos siguen en pie hoy, mientras que otros cerraron hace mucho tiempo. Las exposiciones de salón son muy íntimas gracias a su patrón colgante distintivo, que se puede ver en la pintura de arriba.

En italiano, esto significa "en el primer intento". Este término se usa para describir pinturas que se terminaron en una sola sesión, sin trabajar en capas ni esperar a que la pintura al óleo se secara. También se conoce como "mojado sobre mojado". Los impresionistas utilizaron principalmente esta técnica. Este fue un movimiento de artistas que creían en capturar la primera impresión rápida de una escena.

Con las pinturas de Alla prima, no habrá revisiones ni correcciones. Están hechos con rapidez y se caracterizan por pinceladas audaces y dinámicas. Las pinturas de Paul Cezanne y Claude Monet (ambos impresionistas) se hicieron principalmente Alla prima.

Impasto es la palabra italiana para masa. Impastare significa "pegar". En términos artísticos, esto describe la técnica de aplicar capas de pintura al óleo en capas tridimensionales gruesas, aplicadas con un pincel o una espátula. Esta técnica fue inventada y empleada sutilmente durante el Renacimiento, pero fue exagerada más tarde por los impresionistas del siglo XIX.

En cierto modo, el empaste puede verse como lo opuesto al sfumato. Donde uno usa las pinceladas más gruesas, el otro usa las más finas. Impasto pretende ser expresivo, mientras que sfumato pretende imitar la realidad. Van Gogh usó empaste en la mayoría de sus pinturas. Mire la luna y la estrella más brillante: puede ver la pintura salir y crear textura.

Una técnica de pintura moderna desarrollada por George Seurat y Paul Signac, el puntillismo consiste en aplicar meticulosamente capas de pintura sobre el lienzo en puntos de color. Desde la distancia, los colores parecen mezclarse con otros colores, pero cuando miras de cerca, puedes ver que los colores se dispersan.

El puntillismo es el producto de una frenética investigación científica sobre la luz, las teorías del color y la retina humana. El puntillismo se basa en la suposición de que nuestra percepción del color cambia en relación con los colores adyacentes. Las pinturas realizadas con esta técnica rompen los rayos de luz en miles de colores, solo para ser reensamblados por la retina del espectador.

Algunas obras de arte famosas del puntillismo son Entrada al Gran Canal, Venecia, de Paul Signac, Autorretrato (1887) de Vincent van Gogh y Retrato de M. Félix Fénéon de Paul Signac. Para comprender verdaderamente el puntillismo, vea a continuación la pieza más famosa creada con esta técnica, junto con un detalle de primer plano que revela los colores: Un domingo en La Grande Jatte de Georges Seurat (1884). Observe cómo el pintor eligió incorporar azul y rojo en el rostro de la niña, algo que no vemos desde lejos, ya que los puntos se mezclan para crear un tono de piel.

Es posible que hayas oído hablar del collage, un término que se usa para describir una obra de arte bidimensional compuesta de imágenes planas cortadas y pegadas. Al hacer un collage, los elementos visuales generalmente se eliminan de su contexto original y se combinan de una manera que transmite una idea distinta. Un artista puede crear la imagen desde cero o usar elementos visuales listos para usar, elementos que ya existen en el mundo.

Cuando se realiza el mismo proceso con objetos tridimensionales para crear una escultura, se denomina ensamblaje. Cuando se crea un ensamblaje, los materiales no suelen ser obras de arte. Los ensamblajes son una manifestación audaz del arte posmodernista, futurista y contemporáneo. En el ensamblaje, más que en el collage, hay un elemento de reciclaje; por lo general, los artículos están listos para usar y no están esculpidos desde cero. Los artistas modernos Robert Rauchenberg e Isa Genzken son famosos por sus ensamblajes.
 

Términos generales

Un díptico es una obra de arte bidimensional pintada en dos lienzos separados. Del mismo modo, un tríptico está hecho de 3 partes separadas.

Dípticos y trípticos no son una imagen dividida en tres. Aunque hay una conexión y un diálogo entre estas partes de la obra, no forman un rompecabezas.

Tradicionalmente, los trípticos eran formas de arte religioso. Estaban hechos de un panel central de madera que representaba un ícono religioso importante, y los otros dos paneles representaban seguidores o personajes de rango inferior. Los paneles laterales tenían la mitad del tamaño del panel central y estaban unidos con bisagras plegables, lo que facilitaba el transporte de la obra.

Los dípticos en el arte religioso estaban hechos de paneles de madera del mismo tamaño unidos con una bisagra. Representan importantes figuras religiosas del mismo rango.

Uno de los artistas no religiosos más famosos que trabajaron con trípticos y dípticos es Hieronymus Bosch.

Litografía

La litografía es una forma complicada de impresión manual, tradicionalmente hecha con piedra caliza, pero también se puede hacer con aluminio. En este proceso, se dibuja una imagen en el tablero de piedra con un material ceroso o aceitoso. Después de varios tratamientos químicos, la piedra se convierte en un gran sello que puedes presionar para imprimir la misma imagen una y otra vez. Esta técnica requiere tintas especiales a base de aceite. Los artistas famosos que han utilizado esta técnica son Diego Rivera, Henri De Toulouse-Lautrec, Roy Lichtenstein y Andy Warhol.