Desde las impresionantes catedrales de Europa hasta hermosas estatuas como la Venus de Milo que ahora se encuentra en el Louvre, el arte ha sido una parte tan importante de lo que me gusta considerar como la cultura humana común, los elementos del mundo que son universalmente admirados. Ha sido invaluable para el crecimiento y progreso de la humanidad. El periodo del Renacimiento trajo color al mundo de una manera previamente inimaginable. Algunas de las mejores obras de arte han sido la culminación de la locura, la lucha, el trabajo duro y el puro talento. De acuerdo con ese espíritu, aquí están las historias detrás de algunas de las obras de arte más famosas del mundo.
Esta hermosa pintura al óleo tríptico fue creada en un panel de roble por un artista de Holanda, Hieronymus Bosch (mi nuevo nombre favorito), a fines del siglo XV y principios del XVI. El artista tenía entre 40 y 50 años durante el período en que pintaba esta pieza. Como puede ver, esta pieza tiene tres paneles, que representan lo que podemos suponer que es el Cielo, la Tierra y el Infierno, respectivamente.
El nombre real de la pieza no se conoce públicamente, por lo que el título del panel central "El Jardín de las Delicias" se convirtió en el nombre común. También se ha conocido en el pasado como la "pintura de fresa". Esto se debe a la abundancia de fresas y madroños en todo el lienzo. Si bien la gente ha especulado sobre por qué el artista tenía tanta fijación con esta fruta, pero dada la poca información revelada por el pintor, solo puede ser especulación.
Ignorando (por ahora) las imágenes al estilo País de las Maravillas y lo que muchas de las figuras parecen estar haciendo, la imagen en sí es extraordinariamente grande, abarca aproximadamente 7 pies de altura y 13 pies de extremo a extremo. Y Bosch tenía una inclinación por nunca firmar la fecha de su trabajo, por lo que nadie está seguro de cuándo comenzó y cuándo terminó. Se supone que se completó en algún tiempo entre 1490 y 1510.
En el momento en que Bosch pintaba el Jardín de las Delicias, las pinturas al óleo eran en realidad relativamente nuevas (menos de 100 años) y aún se mejoraban con respecto a los agentes aglutinantes y la comodidad de los trazos. Esto hace que la complejidad de esta pintura sea aún más impresionante.
Esta pintura ganó fama rápidamente, desde 1517 en adelante, momento en el que se encontraba en un palacio de la ciudad de Bruselas. Esto fue un año después de la muerte del artista. Fue la Guerra Civil española la que finalmente le dio a esta pintura un hogar permanente cuando finalmente se mudó de la casa del rey Felipe II (quien la compró en una subasta en 1591). En 1939, se trasladó al Museo del Prado, que hasta hoy sigue siendo el refugio de esta obra maestra.
La mitología griega ha sido una gran influencia en diferentes formas de arte durante muchos años. La Piazza della Signoria, en Florencia, Italia, alberga muchas estatuas que representan cuentos asombrosos de la mitología griega. Una de esas esculturas, y quizás la más popular, es la estatua de bronce, titulada "Perseo con la cabeza de Medusa", del artista Benvenuto Cellini.
Entonces, ¿cuál es la historia que inspiró esta obra maestra? Bueno, comenzar desde el inicio del mito en sí mismo sería demasiado exigente (para escribir o leer), así que aquí está la versión corta, que se lee como un drama hecho para la televisión. Perseo era el hijo de un Danae y el Dios Zeus, que impregnó a Danae entrando en ella en forma de lluvia dorada.
Danae había sido encerrada por su padre, el Rey Acrisio, a quien el Oráculo le dijo que su propio nieto lo mataría algún día. Después de escuchar la noticia del nacimiento de su nieto, se quedó sin palabras y puso a su hija y al niño en un arco para ser devastados por el mar. Pero no es tan fácil matar a un hijo de Zeus.
Finalmente llegaron a las costas de la isla de Serifos, donde fueron aceptados por el hermano de las islas King y su esposa. A medida que pasaron los años, Perseo se convirtió en el semidiós que debía ser, y el hermano del Rey finalmente ocupó un lugar en el trono. Deseando a Danae para sí mismo y sabiendo que Perseo era su único obstáculo, envió a Perseo a una misión para traer de vuelta la cabeza de Medusa.
Medusa y sus dos hermanas eran conocidas como las Gorgonas, monstruos en forma de bellas doncellas. Después de rechazar los avances del dios Poseidón (hermano de Zeus), las Gorgonas se convirtieron en monstruos con un tejido enredado de serpientes en lugar de pelo en la cabeza. Y aunque el rostro de Medusa seguía siendo hermoso, cualquiera que se atreviera a mirarlo sería inmediatamente convertido en piedra. Entonces Perseo sabía que necesitaba algo de ayuda.
Se acercó al Hermes (el velocista original, mensajero de los dioses y maestro de todos los oficios) y Atenea (hija de Zeus y diosa de la Sabiduría). Hermes lo equipó con sandalias aladas para la velocidad y el vuelo, un casco para la invisibilidad (porque una capa es demasiado corriente), mientras que Athena le regaló una espada y un escudo. Preparado para la batalla, se acercó a la guarida de las Gorgonas.
En este caso, el escudo demostró ser más poderoso que la espada porque le permitió a Perseo ver el reflejo de Medusa y nunca tener que mirarla a la cara. Él se acercó silenciosamente a ella y le cortó la cabeza mientras ella dormía. En algunos cuentos, se dice que la sangre derramada de Medusa condujo al nacimiento del Pegaso (el caballo alado) y el Crisaor (el jabalí alado), hijos de Poseidón (que, según algunas historias, violaron a Medusa en un templo de Atenea).
Armado con la cabeza de Medusa, Perseo huyó de las Gorgonas restantes para regresar a Atenea y Hermes. En el camino, Perseo enfrentó una serie de otros peligros, porque el trabajo de un héroe nunca se hace realmente. La cabeza de Medusa demostró ser un arma formidable y lo salvó de muchos peligros en sus viajes.
En la escultura, se le representa sosteniendo la cabeza de Medusa frente a él. Algunos dicen que esto fue un símbolo de victoria para Perseo. Pero, en mi humilde opinión, mirando la forma en que mantiene la cabeza baja, también se puede suponer que así es como habría utilizado la cabeza de Medusa para inmovilizar a sus enemigos, sabiendo los horrores que podría infligir. Pero de ninguna manera soy una experta o incluso una aficionada en la comprensión del arte, ¡así que observa la escultura y decide por ti mismo!
Si bien el documento real también es definitivamente una obra de arte, estoy hablando de la pintura que John Trumbull encargó en 1817. Si bien muchos suponen que esta imagen pretende representar la firma de la Declaración de Independencia, en realidad captura un momento diferente pero igualmente importante en la historia. Esta pintura representa el momento en que el primer borrador de este documento histórico fue presentado por primera vez al Segundo Congreso Continental, el 28 de junio de 1776. Fue firmado dentro de una semana.
En el centro de la pintura se encuentra un grupo de hombres. Estos hombres son Robert Livingston, Roger Sherman, John Adams y Benjamin Franklin, con Thomas Jefferson a la cabeza. Juntos, estos hombres formaron el comité que redactó este documento que cambiaría el futuro de una nación entera.
Solo para repasar rápidamente la historia (porque yo también necesitaba una), la Declaración de Independencia fue redactada para establecer los principios por los que se estaba luchando la Guerra Revolucionaria y los ideales de libertad que aún se mantienen firmes en la actualidad. Y el hombre sentado ante ellos, cuya consideración le dio a este documento su verdadero y debido valor, no es otro que el Presidente del Congreso Continental, John Hancock.
John Trumbull fue comisionado originalmente por el Congreso de los EE. UU. Para hacer 4 fotos que mostraban escenas de la Era Revolucionaria. La Declaración de Independencia fue la primera completada. Si bien su intención original con esta pieza era hacer una representación pequeña pero precisa de lo que ocurrió en este evento, finalmente tomó una ruta diferente. En su lugar, eligió conmemorar a los fundadores de la nación.
De los 56 signatarios de la Declaración de Independencia, este retrato ilustra a 42 de estos grandes hombres, en toda su gloria digna. Un total de 47 fundadores están representados en la foto, 5 de los cuales no fueron signatarios de la Declaración, pero de todos modos patriotas de sangre verdadera. Trumbull se negó a pintar a los 14 signatarios restantes, ya que no pudo encontrar una imagen lo suficientemente "autorizada" para crear su semejanza y darles la debida justicia.
Una de las cosas más interesantes (tal vez divertidas) de esta pintura es que la decoración representada en el Salón de la Independencia incluida por Trumbull en el retrato, como las grandes cortinas venecianas y las banderas británicas capturadas que decoran las paredes, no estaban realmente en la habitación. . Eran adornos del pintor que creía que así era como se vería la habitación.
Además de eso, algunas otras características arquitectónicas, como la colocación de las puertas y ventanas, también son incorrectas, ya que se basaron en una descripción inexacta dada por Thomas Jefferson (cuya memoria no era tan fuerte solo en este sentido).
Esta obra maestra histórica se ha colocado en Capitol Hill desde su comisión a principios del siglo XIX. También se muestra en el billete de $2 dólares, en el que la imagen se ha modificado ligeramente para que los pies del Comité de Redacción estén más separados entre sí. Esto surgió de las especulaciones de que Thomas Jefferson parecía estar pisando los pies de John Adams, lo que representa la tensión política entre ellos.
Siempre se pensó que esta obra de arte absolutamente infame era la imagen de un hombre que parecía fuerte e imponente. Sin embargo, muy pocas personas han mirado la cara de este magnífico hombre esculpido porque su lugar en la Galleria dell’Accademia en Florencia se enfrenta a una columna desde 1873 (más de 350 años después de su creación).
Después de observar más de cerca toda la escultura, dos médicos de Florencia notaron numerosos micro-detalles en esta increíble pieza. La pierna derecha de David está nerviosamente tensa, y sus cejas están fruncidas en lo que puede interpretarse como miedo y agresión, las fosas nasales completamente dilatadas.
Si bien la mayoría de las representaciones de David de la Era del Renacimiento, por artistas florentinos muestran a un David victorioso, después de la batalla, se ha confirmado que Miguel Ángel eligió presentar a David justo antes de la agonía de la batalla, preparándose para las dificultades del combate. Sus ojos y cuerpo permanecen cautelosos y tensos, mientras se preparaba para atacar.
La belleza de esta representación es que muestra a David no solo por el guerrero que era, sino por el pensador que era conocido. Su tirachinas está perfectamente arqueado sobre su hombro y se aferra a su mano, ocultándolo de la vista del enemigo (y de los espectadores) mientras se coloca de manera óptima para su uso. Quizás para indicar que la victoria de David sobre Goliat se puede atribuir a su concentración, confianza e inteligencia en lugar de la fuerza bruta pura.
En esta representación, se muestra a David usando el contrapposto, de pie de tal manera que una pierna (en este caso la izquierda) soporta la mayor parte del peso. Esto, a su vez, hace que los hombros y los brazos se alejen de las piernas y las caderas. Esta es una "contraposición" (traducción directa al italiano), para torcer las extremidades superiores fuera del eje de las caderas y las piernas, haciendo que la figura se vea más grande, más fuerte y más dinámica.
El gran bloque de mármol que Miguel Ángel transformó en la escultura "David" en realidad había sido abandonado por los dos artistas anteriores encargados de usarlo. Durante 25 años, esta losa de mármol permaneció intacta en el patio de la Opera del Duomo, hasta 1501, cuando el reconocido artista comenzó a trabajar en esta obra maestra que llegaría a encontrar un lugar eterno en la historia. Lo completó finalmente en 1504.
La dedicación de Miguel Ángel a la perfección del arte se puede ver en esta impresionante escultura, que se eleva sobre todos los observadores y transeúntes con una altura de 17 pies (5,16 metros). Eso es casi del tamaño de los tres miembros más altos de su familia apilados uno encima del otro. La atención al detalle, como la tensión de la pierna y las crestas en cada nudillo, son indicios del increíble talento de este artista, que poco después comenzaría a trabajar en el techo de la Capilla Sixtina, una de sus mejores obras de arte.
Esta bella Madonna tiene su propia habitación en el Louvre, diseñada específicamente para su protección. Una creación del gran artista Leonardo Da Vinci, la Mona Lisa ha capturado el corazón de los amantes del arte y del público en general en todo el mundo. Entonces, ¿qué es lo que hizo que este retrato aparentemente simple fuera tan cautivador?
Comencemos con la mujer misma, vista sentada en medio de un paisaje, con un centro de calma y tranquilidad a su alrededor. La Mona Lisa, también conocida como La Gioconda, representa a la esposa de Francesco Del Gioconda. La palabra "Gioconda" en italiano se traduce literalmente como la feliz. Ahí reside la belleza de la sonrisa de Mona Lisa, el signo más simple del ideal de felicidad y satisfacción.
En la mayoría de las obras de arte, especialmente las del siglo XV y XVI (esta obra de arte se creó en la primera parte del último año), el simbolismo y el alma de los personajes representados generalmente solo se revelaban a través de gestos, objetos, e inscripciones. El trabajo más famoso de Da Vinci se esforzó por sacar el alma de la bella Dama a través de sus ojos y su sonrisa, convirtiéndola en un enigma vivo, con un alma que se puede ver pero nunca acercarse.
Ahora echemos un vistazo al fondo. En el nivel del pecho de la Mona Lisa se encuentra un camino sinuoso, que conduce a un puente distante con vegetación a su alrededor. Estos paisajes han sido pintados en colores brillantes y cálidos para representar el mundo del Hombre, lugares de familiaridad.
Sin embargo, a medida que retrocede, el paisaje cambia, en terrenos montañosos más rocosos y corrientes de agua sin fin. El artista comenzó este paisaje a la altura de los ojos de la niñera, y usó trazos más pesados y gruesos, para mostrar el desierto más allá de los mundos que conocemos y habitamos. Para mayor diversión, si observa de cerca el ojo derecho de este enigma, verá las iniciales de los artistas.
Mientras que la Mona Lisa es, en su forma más simple, un retrato de una mujer sentada en una cabaña abierta, muchos han argumentado que el ideal deseado que la imagen presenta, uno de alegría y felicidad de un alma inalcanzable e intocable por lo desconocido, de ninguna manera es un retrato tradicional. También ha sido admirado por su descripción de la conectividad entre la naturaleza y la humanidad.
Antes de encontrar un hogar permanente en el Louvre, originalmente tuvo un lugar con el rey Francois I durante más de un siglo. Fue entonces cuando el rey Luis XIV la retiró de la posesión de su anterior dueño y la colocó en el Gran Palacio de Versalles. Fue justo antes de su cambio al Louvre que la Mona Lisa también se sentó en el boudoir de Napolean Bonaparte.
En 1911, cuando el retrato fue robado del Museo del Louvre (del que se sospechaba que Pablo Picasso era una vez, aunque no se encontraron pruebas), el mundo entró en pánico al encontrarlo y aplaudió de todo corazón cuando fue devuelto dos años después. Desde su llegada al Louvre en 1815, la Mona Lisa ha recibido numerosas flores y cartas de amor. Su comportamiento misterioso y distante todavía sigue atrayendo la atención (y los corazones) de las personas de todo el mundo.
La mayoría de la gente ha oído hablar de esta impresionante pintura de Vincent Van Gogh, que le valió mucha fama y prominencia a título póstumo. Pero, ¿cuánto sabes realmente sobre esta increíble obra de arte (e historia)?
Bueno, para empezar, esta pintura fue finalmente estudiada por astrónomos, quienes determinaron que esta representación del horizonte justo antes del amanecer era en realidad una ilustración muy precisa de cómo se veía el cielo esa mañana. Si bien muchos han asumido que la miríada de estrellas y nubes giratorias era una exageración del pintor, era lo que Van Gogh estaba mirando realmente.
Ahora pasando a hechos más grandes. ¿Dónde estaba Van Gogh cuando miraba este impresionante campo azul? Era, en ese momento, un residente del Asilo Saint-Remy-de-Provence, y la imagen está destinada a capturar la vista desde su habitación de asilo. Había sido admitido allí después de cortarse la oreja izquierda.
Hasta hace poco, se creía que el 23 de diciembre de 1888, Van Gogh tuvo una discusión con su amigo, compañero de cuarto y artista Gaugin, que se calentó. Después de esto, se retiró a su habitación donde procedió a cortarse la oreja izquierda con una navaja. Luego la envolvió rápidamente en papel y se la regaló a una pobre mujer horrorizada en el burdel que él y Gaugin solían visitar con frecuencia.
Sin embargo, según el escritor Martin Bailey, la verdadera razón por la cual Van Gogh se retiró a su habitación y realizó el acto de automutilación que siempre sería un símbolo de la locura creativa, fue porque había recibido noticias de que su hermano ( y benefactor) se había comprometido y pronto se casaría, lo que sacudió al artista. En su libro Studio of the South, Bailey muestra evidencia de que Van Gogh recibió esta noticia antes de cortarse la oreja, y no después, como se creía originalmente.
Independientemente de la razón, un policía lo encontró a la mañana siguiente inconsciente (presumiblemente por pérdida de sangre) y lo llevaron al hospital donde se despertó sin recordar lo sucedido. Después de diagnosticarlo como "manía aguda con delirio generalizado", pasó varios meses entrando y saliendo de este hospital. Finalmente decidió ingresar al Asilo Saint-Remy-de-Provence, donde buscó ayuda para su condición mental e hizo muchas de las que se convertirían en sus obras de arte más famosas. Una de estas ¿quizás la más notable? No es otro que La noche estrellada.
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Esta obra de arte fue una de las 36 piezas de arte solitarias creadas por el pintor holandés del siglo XVII, Johannes Vermeer. Si bien la historia real detrás de sus orígenes se ha perdido en el tiempo, se han planteado muchas especulaciones sobre lo que representa (y ella). Sin embargo, uno de los más conocidos fue en un libro escrito en 1999 por Tracy Chevalier, un fanático de Vermeer y sus pinturas, que lleva el mismo nombre que la pintura.
La historia sigue la vida de Griet, una joven dulce, tímida y humilde (16 años) de una familia de medios moderados, atrapada en un momento de lucha financiera. Para ayudar a su familia, ella toma un trabajo como sirvienta a tiempo completo con el pintor y su familia. Esta historia sucede en el transcurso de dos años.
Si bien su comportamiento tranquilo y sereno la ayudó a completar sus tareas domésticas, también llamó la atención de Vermeer y, en consecuencia, de su esposa Catharina y su suegra, Maria Thins. Todos los ingredientes necesarios para un drama de la vida real.
Vermeer notó rápidamente el buen ojo de la joven para las artes y la puso a trabajar en su estudio, enseñándole a mezclar pinturas y otros trabajos pequeños. Sus pinturas generalmente se enfocaban en mujeres en diferentes entornos de la casa, por lo que también la usaría como un sustituto para sus sujetos. Su esposa estaba menos que emocionada por esto, lo poco que sabía de ella.
Su madre, por otro lado, la principal benefactora de Vermeer y propietaria de su hogar, vio el potencial que Griet tenía para ayudar a Vermeer a mejorar su carrera artística. Ella trabaja silenciosamente para cambiar más los deberes de la niña hacia su carrera de pintura, nuevamente para disgusto de su hija. Cornelia, la hija de seis años de Vermeer y Catharina, traviesa por naturaleza y volátil como su madre, se da cuenta de todo, haciendo la vida lo más difícil posible para la joven Griet.
Mientras tanto, Griet llama la atención de muchos otros, con su comportamiento tranquilo y su cara encantadora. Pieter, el hijo del carnicero, la corteja con vehemencia y ayuda a su familia en dificultades a sobrellevar su carga financiera. Sin embargo, el mecenas más rico de Vermeer y principal suscriptor de su arte, Van Ruijven, también se interesa por ella y no es un hombre que acepta un no por respuesta. La historia toma un tono más oscuro cuando Van Ruijven aprovecha todas las oportunidades que puede para molestar e intenta presionar al artista para que dibuje una imagen de él y la joven.
Vermeer relata la última vez que permitió que su patrón se sentara para una pintura con su criada anterior, y cómo eso terminó en que esa joven mujer se "arruinó". Con la esperanza de evitar una repetición de la catástrofe, acepta pintar un solo retrato de Griet solo para que lo compre Van Ruijven. Para esta pintura, obliga a Griet a perforarle las orejas, y en silencio toma los aretes de perlas de su esposa, sin su conocimiento, por supuesto, para que la joven sirvienta se los ponga mientras está sentada para el retrato.
Entra Cornelia, la niña siempre observadora, que aprovecha la oportunidad para permitir que su madre descubra las indiscreciones que ocurren y luego observa cómo se desarrolla el escándalo. Catharina irrumpe en el estudio de su esposo y lo atrapa en el acto de pintar a Griet, a quien encuentra usando su bufanda y aretes de perlas. Vermeer permanece en silencio ante las palabras de su esposa llorosa, y finalmente, Griet se ve obligada a irse.
Sin embargo, la historia termina, diez años después, cuando el artista fallece y Griet vuelve a reunirse con los aretes de perlas, aunque solo brevemente.
Esta obra de Pablo Ruiz Picasso es una de las obras de arte más famosas y profundas del siglo XX. Esta pintura fue inspirada por un evento trágico que ocurrió en medio de la agitación política que estaba teniendo lugar en ese momento. A pesar de no ser bien recibido en su momento, algún día llegaría a ser reconocido como un fuerte símbolo contra la agresión nacionalista durante la Guerra Civil española.
La Guerra Civil española comenzó en julio de 1936 cuando un general español llamado Francisco Franco organizó un golpe de estado que dividió al país por la mitad, como nacionalistas, y los miembros sobrevivientes de la república democrática. Esta guerra finalmente alcanzó la esfera política global, con todos eligiendo bandos. Mientras que la Unión Soviética se adelantó en apoyo de los republicanos, Alemania fue igualmente rápida en armar a los nacionalistas.
Durante los diez años anteriores a la escalada de la Guerra Civil española, el pintor español había estado experimentando con el concepto artístico del surrealismo, y aunque comenzó su carrera de pintura con bodegones de elementos normales como instrumentos musicales y frutas, finalmente comenzó a usar su arte. romper la forma habitual de estos temas tradicionales y presentarlos desde diferentes perspectivas. Era su estilo de arte único lo que lo haría vivir para siempre en la infamia.
En el momento en que la guerra comenzó a intensificarse e internacionalizarse, el artista de Málaga había recibido el encargo de producir un mural por el Gobierno español para la Exposición de París de 1937. Luchando con la depresión que los artistas torturados enfrentaban con frecuencia, y con un corazón agravado por la escalada de la guerra que ahora se desata en su país de origen, Picasso se quedó estancado en el tiempo, su proceso creativo en absoluto desorden. Luego, en abril de 1937, ocurrió un evento que cambiaría todo.
En la tarde del 26 de abril de 1937, la tripulación de un acorazado británico que navegaba frente a las costas del norte de España, llamado HMS Hood, observó en absoluto silencio el aluvión de aviones militares procedentes de Alemania e Italia reunidos en los cielos de arriba. Su misión era simple. Bombardea la ciudad de Guernica.
Como lluvia de fuego cayendo del cielo, los bombarderos italianos y alemanes arrasaron la pequeña ciudad vasca. Un corresponsal de guerra corrió para informar lo que vio, llegando a la ciudad casi 10 horas después, las llamas aún ardían desde todos los extremos de la ciudad. Un lugar pequeño con edificios en su mayoría de madera, el fuego se extendió rápidamente y creció con venganza.
La idea original era que la ciudad fue bombardeada para reducir el suministro de armas, ya que Guernica tenía una planta de fabricación de armas. Pero cuando las llamas se apagaron y el polvo se asentó, la fábrica e incluso los cuarteles de guerra estaban entre los pocos edificios que aún quedaban en pie. Fue violencia crear terror e intimidación, y una oferta hecha por el general Franco para que Adolf Hitler probara sus armas, en pago por armar a los nacionalistas.
Al leer las noticias de los horrores que ocurrieron en Guernica y sacudidos hasta el fondo, Picasso supo que su búsqueda de un mural de tres meses había terminado. Su pieza, titulada "Guernica", fue presentada en el Pabellón de España de la Exposición de París. Si bien recibió muy pocos elogios en el momento en que se dio a conocer, pronto se convirtió en un símbolo de la lucha contra el fascismo, la opresión y el terrorismo, mostrando con belleza y detalles vívidos los horrores que le sucedieron a la gente de la ciudad de Guernica.
Esta pintura fue devuelta a España en 1981, donde se mantuvo en el Museo del Prado durante poco más de diez años, antes de ser trasladada finalmente al Museo Reina Sofía. Uno de sus visitantes más frecuentes y gran admirador es otro artista brillante, Jackson Pollock.
La Penseur, traducida a "El pensador", es una de las obras más conocidas del artista francés Auguste Rodin, e incluso podría recordarlo por su aparición en la película, Una noche en el museo (2006). Un hombre desnudo más grande que la vida (física y mentalmente), sentado en una roca con la cabeza apoyada en el puño, esta estatua y esa pose han llegado a ser reconocidas como símbolos de alguien perdido en filosofía.
El concepto original para el Pensador en realidad estaba destinado a ser El Poeta, y fue creado por primera vez en la mente de Rodin como parte de "Las puertas del infierno". Este era un proyecto que Rodin había sido encargado de hacer, siguiendo los viajes y viajes a través del infierno como se describe en El infierno de Dante, la primera historia de la Divina Comedia.
Este poema épico describe el viaje de Dante Alighieri a través de los siete círculos del infierno, presenciando un castigo diferente por cada pecado. Su objetivo es salir de las profundidades del infierno y, para hacerlo, debe atravesarlo.
El artista estaba destinado a crear las mismas puertas del infierno (como una entrada a un museo planificado) y grabar en ellas las imágenes de todos los personajes del poema y su sufrimiento en ese abismo sin fin. El poeta se sienta arriba, silencioso y observador, siempre pensando en la destrucción que ocurre debajo de él. Si bien ni el museo ni las puertas al Infierno se construyeron, el yeso original para las Puertas al Infierno se puede encontrar en el Museo d'Orsay.
El Pensador, sin embargo, cayó en la infamia. Rodin incluso lo usó como una herramienta de enseñanza en muchos de sus talleres, por lo que hay numerosas versiones diferentes del hombre delgado pero musculoso en todo el mundo, algunas de bronce y otras de mármol.
Esta pieza de Edvard Munch es posiblemente una de las pinturas más famosas del mundo, a pesar de que el nombre del pintor no se escucha mucho. Una imagen de una figura andrógina solitaria parada en un puente, lo único que realmente se puede identificar es el miedo inconfundible en la cara de la figura, con ambas manos cruzadas contra la mejilla con horror. Casi puedes escuchar el grito espeluznante que esta alma aterrorizada está gritando.
Pintada a fines del siglo XIX, esta imagen fue la creación de una era única del arte, que había pasado de la naturaleza muerta a la expresión del alma. El talento artístico se convirtió en una salida creativa para los pensamientos, las dudas, los deseos, las alegrías y los miedos más relevantes del artista. Entonces, ¿qué empujó la mente detrás de este lienzo veteado de colores brillantes pero matices oscuros?
Con los años, los diarios de Edvard Munch fueron descubiertos y estudiados en un intento de aprender el significado detrás de lo incomprensible. Después de todo, cada forma de arte es solo la forma de la mente de comunicar su locura al mundo. Pero solo porque lo comunicas, no significa que lo entiendas.
Sin embargo, muchos relatos contados en su historia apuntan a las posibilidades de lo que sacó esta pintura y movió la mano del artista. La pintura del artista noruego originalmente se titulaba Der Schrei der Natur, traducida a "El grito de la naturaleza". Este fue también el nombre de un poema escrito por el artista en 1895, adaptado de una entrada del diario que había escrito tres años antes.
"Estaba caminando por el camino con dos amigos cuando se puso el sol, de repente, el cielo se puso rojo como la sangre. Me detuve y me apoyé contra la cerca, sintiéndome indescriptiblemente cansado. Lenguas de fuego y sangre se extendieron sobre el fiordo negro azulado. Mi mis amigos siguieron caminando, mientras yo me rezagaba, temblando de miedo. Luego escuché el enorme infinito grito de la naturaleza ".
Este poema da cierta claridad a la pintura. Para empezar, el pintor habla de su agotamiento, lo cual es comprensible dado que luchó con ansiedad severa durante la mayor parte de su vida, comenzando a la tierna edad de 5 años cuando su madre murió de tuberculosis. Sin embargo, también dice que "escuchó" el grito de la naturaleza, por lo que se puede suponer razonablemente que él no fue el que gritó. Entonces, ¿de dónde vino el sonido?
Si lees el poema por segunda vez, tal vez notarás sus múltiples usos de la palabra "sangre", para describir el color del cielo y el paisaje marino que se desvanece, mientras está parado en el puente. Según su diario, había un matadero cerca de donde se cree que se ilustra la imagen. En otro giro cruel del destino, el asilo mental donde residía su propia hermana también estaba cerca. Quizás el artista fue perseguido por los terribles gritos de los animales arrastrados a su destino. O peor aún, los gritos angustiados de los internos del manicomio, la voz de su hermana se ahogó en medio de todo el caos.
Un gran dolor y sufrimiento tienen una forma de obligar a un hombre (o una mujer) a profundizar en ellos para sacar creaciones que nos hacen pensar, sentir, reír e incluso llorar. Edvard Munch fue el creador de más de 1000 pinturas, la mayoría de las cuales fueron donadas al gobierno noruego tras su desaparición. Esta pintura continúa siendo recordada a través de otra forma de arte, ya sea el pequeño homenaje que se le rindió en la película de Mi pobre angelito o la franquicia de la película Scream. Aunque existen muchas versiones de El grito (4 de las cuales son de Munch), la primera y original se encuentra actualmente en Oslo como parte de la Nasjonalgalleriet (Galería Nacional).
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