1. Salvador Dalí, La cola de la golondrina, 1983
Imagen cortesía del Teatro y Museo de Dalí en Figueres, España.
El arte altamente complejo del surrealista, Salvador Dalí, suele asociarse más fácilmente con el psicoanálisis freudiano que con las matemáticas. Sin embargo, su pintura final fue inspirada por el matemático francés del siglo XX, René Thom, gracias a su "teoría de la catástrofe", que trató de predecir la aparición de fenómenos abruptos en el mundo.
La teoría de la catástrofe se aplicaba tanto a la fascinación de Dalí con el tiempo como a su sensibilidad estética, como lo demuestran sus legendarios relojes de fusión. La obra de arte final en toda una serie relacionada con esta teoría, "La cola de la golondrina", hace referencia a una de las formas de los gráficos de Thom que se utiliza para describir la realidad en cuatro dimensiones. Dalí logra combinar el encanto y la angustia haciendo uso de un violonchelo en la esquina superior izquierda de la pintura, que probablemente simbolizaba sus sentimientos hacia su esposa que había fallecido el año anterior.
2. Frida Kahlo, Viva La Vida, Sandías, 1954
Imagen cortesía de Jen Wilton, vía Flickr.
Completada solo 8 días antes de su muerte, la frase “Viva La Vida” es particularmente conmovedora en este contexto, especialmente porque ella plasmó el lugar de creación de la pintura y el año pintado debajo. En conjunto, esta inscripción logra evocar la perseverancia de Kahlo durante toda una vida de gran dolor físico, así como para conmemorar su existencia. Esto se debe a que las sandías eran en ese tiempo muy simbólicas de la festividad mexicana del Día de Muertos, en el cual se celebra la vida de los que han muerto.
3. Marcel Duchamp, Dado: 1. La cascada, 2. El gas iluminador, 1946–66
Imagen cortesía del Museo de Arte de Filadelfia.
Durante aproximadamente 2 décadas, Duchamp trabajó en su obra de arte final en secreto, haciendo que todos creyeran que había abandonado su oficio por completo. El trabajo de instalación, una antigua puerta que se abre a un cuadro en 3D convierte a cualquier espectador en un observador, mientras observan a través de la abertura. En primer plano, se puede ver a una mujer desnuda acostada en una cama de hojas y ramas, sosteniendo una lámpara de gas. La figura estaba hecha de los moldes de la segunda esposa y ex amante del artista, en un desconcertante homenaje a ambos. Como era de esperar, el artista Jasper Johns la ha llamado "la obra de arte más extraña en cualquier museo".
4. Agnes Martin, Sin título, 2004
Image cortesía de la Galería Pace.
El último trabajo que Martin creó es sorprendentemente diferente del preciso arte geométrico por el que es conocida. Sin embargo, su inquebrantable obsesión con las líneas y sus relaciones espaciales aún se las arregló para lograr este dibujo serpenteante de una sola línea que se parece mucho a una planta en maceta. Martin es conocido por capturar emociones sutiles a través de su arte, y al apreciar este trabajo, muchos críticos ven una imagen mental de Martin, de 92 años, dibujando serenamente esta composición pacífica.
5. Mark Rothko, Sin título 1970, 1970
Imagen cortesía de la Galería Nacional de Arte, Washington, DC.
Este artista ruso-estadounidense era conocido por usar parches rectangulares de color para expresar diferentes emociones universales, y “Sin título 1970”, no era diferente de lo habitual, con su paleta de colores limitada y rectángulos asimétricos apilados. Muchos creen que los tonos rojos utilizados en esta pintura se pueden ver como un presagio del suicidio de Rothko más adelante en el mismo año, ya que los tonos audaces del rojo pueden ser evocadores de sangre.
6. Jackson Pollock, Rojo, negro y plata, 1956
Imagen cortesía del Museo de Arte de Dallas.
Con su mancha de pintura negra como un capullo y gotas sueltas de pintura roja, el trabajo final de Pollock es una desviación absoluta de sus típicas obras de arte caóticas. Si bien muchos críticos, incluida la Junta de Autenticación de Pollock-Krasner, se niegan a reconocer su autenticidad, el amante de Pollock insistió en que era genuino y que el artista se lo había regalado poco antes de su trágica muerte en 1956. La evidencia forense también respalda su autenticidad, ya que contiene trozos de cabello de Pollock, partículas de arena de su playa local e incluso pelaje de oso polar, que se cree que proviene de una de las alfombras de su casa.
7. Francis Bacon, Estudio de un toro, 1991
Imagen cortesía del Museo Guggenheim en Bilbao
El trabajo final de Bacon refleja uno de sus motivos recurrentes e intereses personales: las corridas de toros, y también sirve para simbolizar una meditación sobre su propia mortalidad. Después de pasar décadas siendo alcohólico, Bacon podía sentir que su salud le estaba fallando y que sus días estaban contados, por lo que el toro, un símbolo común de la virilidad masculina, está manchado y desvanecido, atrapado entre el olvido blanco y la oscuridad desconocida. Para probar aún más este punto, Bacon incluso agregó polvo a la obra, recordando la frase bíblica, “polvo al polvo”.
8. Keith Haring, The Blueprint Drawings, 1990
Imagen cortesía de Hamilton-Selway Fine Art
Entre 1980 y 1981, antes de su ascenso a la fama, Haring dibujó una serie de bocetos en blanco y negro, que tendían a incluir figuras humanas andróginas, generalmente involucradas en actos sexuales o violentos. Luego, a principios de 1990, justo un mes antes de que la infección del SIDA le quitara la vida, Haring volvió a estos dibujos, que son muy urgentes y emocionales en la forma en que abordan la epidemia del SIDA y el amor homosexual.
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